The Artist (2011)

Hollywood 1927. George Valentin (Jean Dujardin) es una superestrella del cine mudo. La llegada del cine sonoro representa una amenaza para su carrera. Para la joven extra Peppy Miller (Bérénice Bejo), parece que el cielo es el límite –el gran estrellato cinematográfico le espera. El artista cuenta la historia de cómo sus destinos se entrelazan.

“Nunca sabes lo que tienes hasta que lo pierdes” dicen, olvidaron agregar que tampoco sabes de lo que te pierdes cuando te acostumbras a algo. El sonido y el color en films son dos cosas que esperamos, mejor dicho que asumimos estarán cuando nos disponemos a ver una película, es por ello que esta El Artista desafió todas las probabilidades de éxito al ser lanzada en taquilla, ¿quién querría ver una película en blanco y negro muda en 2011? Parece que todos secretamente lo queríamos, porque además de innumerables premios (entre ellos un Oscar a mejor actor para Jean Dujardin) el film excedió todos los estándares de calidad y satisfacción en la mayoría de los países.

Una banda sonora a menudo es tan complicada como la imagen en pantalla. Toda la pista de sonido se compone de tres ingredientes esenciales: la voz humana, los efectos sonoros y la música. Con esto es mente, El Artista no es técnicamente un “Silent film” o película silenciosa, es una película muda que mantiene uno de los aspectos más importantes, la música. La música es esencial para un film pues refuerza emociones que tal vez no queden tan claras solo con el aspecto visual y la puesta en escena. En la película hacen gran uso de este recurso, por ejemplo:

La tengo no la tengo (2008)

La tengo no la tengo en un cortometraje venezolano de 2008, producido por Samuel Klein y León Klein, el último la protagoniza.

Puedes ver la primera parte aquí:

            Este cortometraje está lleno de situaciones típicas del país en el que se lleva a cabo y busca, de cierta forma, ejemplificar como se desarrollan las relaciones interpersonales en la vida cotidiana venezolana.

            Aunque está hecho con un nivel de producción amateur, tiene elementos realmente interesantes como es el caso de su protagonista.

           Generalmente en el cine, el hombre enamorado es representado como alguien más objetivo y desinteresado -en comparación con la contraparte femenina por supuesto-, sin embargo “Dani” demuestra deseos de enamorarse y llevar una relación romántica. Por supuesto, primero siguiendo consejos de sus amigos que son su antítesis, los típicos “machos que se respetan”.

            Dani entonces decide actuar como un “macho” e intenta salir con dos chicas a la vez, por supuesto su verdadero ser reluce al encontrarse con alguien que de verdad le gusta.

“Sueño con pintar y luego pinto mis sueños”

Los sueños de Akira Kurosawa

(1990)

¿Qué son los sueños?

Como alguna vez lo dijo Sigmund Freud y muchos psicoanalistas repitieron, la mayoría de las respuestas sobre el origen de los sueños pueden encontrarse en el subconsciente, ya que le damos rienda suelta al mismo mientras dormimos. Freud explica que los sueños son versiones ‘dramatizadas’ de pensamientos complejos y latentes de nuestro imaginarium, los deseos reprimidos, experiencias de la vida real y memorias son parte de estos pensamientos.

Akira Kurosawa decía: “El hombre es un genio mientras sueña” y es que los sueños aunque están lejos de ser reales, son una representación pura, acertada y sin prejuicios de la realidad espiritual y mental del soñante, la manifestación de su espíritu. Lo que hace a ‘Cuervos’ mucho más especial como pieza audiovisual, ya que a través del formato surrealista de los sueños explica los retos de un artista para plasmar sus sueños.

Cuervos es un sueño que cuenta la historia de un joven artista llamado ‘I’ que está en busca de inspiración, este se encuentra en un museo donde solo trabajos de Vicent Van Gogh están en exposición. En un giro de realidades I se adentra en una pintura y logra conversar con Van Gogh, viaja por sus pinturas hasta que finalmente logra encontrar su camino.

El objeto bajo análisis es la relación entre el arte y la vida desde un aspecto filosófico, y el orden de importancia o equilibrio que la figura de admiración de I, verbigracia, Van Gogh –interpretado por el también director Martin Scorsese- tiene y como esta relación inspira el proceso creativo del protagonista. Esta es especialmente visible cuando el joven conversa con Vincent.

Van Gogh le dice a I que él “consume” la naturaleza para crear sus trabajos, continua diciendo que se “esclaviza como una locomotora” para obedecer a su voz interior lo que pone en duda si es en realidad él que consume al arte o si es el arte que lo consume a él, y en efecto toda la historia empezó cuando el joven artista fue consumido por la pieza de arte. Esta alegoría se intensifica cuando el artista dice que se cortó la oreja porque no era capaz de dibujarla con exactitud en su autorretrato. Entonces, ¿qué es más importante el arte o la vida? Sin embargo al analizar el proceso creativo podemos descubrir que la vida es parte del arte para el artista, pues con su labor des-cubre la realidad desde otra perspectiva y crea una nueva.

Es así como I al admirar el arte (su vida) de Van Gogh obtiene una verdad mucho más profunda sobre lo que es ser un artista y sus implicaciones.

Sueño con pintar y luego pinto mis sueños

-Vincent Van Gogh

Trailer

Ve la escena aquí

Baja la peli en torrent aquí

Otro sitio más de Red "Ver Con Fe". Creado con fines educativos para realizar prácticas de la materia electiva "Análisis Fílmico" de la carrera comunicación social en la UCAB Guayana.

Abrir la barra de herramientas